動態

“‘山·水·江·湖’——新媒体艺术展”由四川美术学院美术馆主办，由策展人、艺术批评家和建筑设计师唐克扬策划。将于2018年9月27日9:00在四川美术学院美术馆开幕，并持续到10月25日。

“山·水·江·湖”是一个没有多“新”的“新媒体”展，它希望更具体地讨论“媒体艺术”的内涵，尝试在传统美术馆空间里，用不大的代价，并不十分“先锋”的姿态，实现让艺术作品“媒体化”的讨论。

策展人唐克扬并不将美术馆的展览空间看做严格的“展厅”，而是一种粗放的“环境”，判断参展艺术家是否意图运用（新）“媒体”创作的关键，在于他（她）是否关心展场、城市、地域乃至国度的“语境”，是否注意到作品和“环境”的关系。郝经芳&王令杰、史明汇、塔可、徐小鼎、杨泳梁、郑达、张克纯、张翔、张增增、王天甲等参展艺术家和设计师的作品在抽象和具体两个向度上勾勒出艺术的本地“风景”——“风景”是地方文化的直观的或间接的体现。它也将和我们选择的戏剧性的美术馆空间，乃至美术馆内的其它展览和展品发生这样那样的、微妙的互动。

传统上，这里参展艺术家的作品也可以理解为摄影作品，雕塑，或者空间装置，它们不一定是“新”媒体，而是提供了“新”的艺术观察的视角，都和展览的语境发生这样那样的联系——但是又是不尽相同的联系，各自有别的方法。这种“语境”上的联系可以是技术手段上的，比如不同的感官手段，突破了“视觉”艺术的限定；可以是意义上的，有的属于“环境”，“默默不语”，有的算作“主体”，“大声说话”；最终，它们都要和美术馆的空间发生关系，即使那些最传统式样的“画框式”艺术，也至少再现（represent）了美术馆外的本地的文化和现实，并且在这种“翻译”的过程中保持自己的眼光和立场。

这些作品，看得见的，不那么看得见的，使观众不仅仅注目于孤立的作品，而是察觉到美术馆内外发生的方方面面的事情，直至把视线投向美术馆空间不能容纳的本地的“风景”。展览将会把四川美院罗中立美术馆有趣的4号厅等转变成一个立体的“媒体空间”，并使这种空间的影响向外辐射。

前言

山水未必是美学家常说的抽象的“山水”，

江湖也不仅仅是一地鸡毛的“江湖”。

在重庆这两个词都是具体的：首先，这座城市素以“一山两水”而形成的地理格局而知名，“山水”地形构造的奇观，塑造了重庆独特的日常生活面貌。与此同时，“江湖”又是重庆的另一个关键词，是由袍哥文化演绎来的戏剧性的社会关系和地方风俗。两个词共同勾勒出了地方人情的“构造”和“起伏”，直抒胸臆地表达出景观社会更隐秘的“基础设施” （infrastructure）。它让重庆在显得非常“后现代”的时髦的同时，实则又极其“前现代”的丰满。

相对于重庆的日常和具体，在中国当代艺术圈里所讨论的“新媒体”，往往显得抽象，费解，缺乏语境。“新媒体”所针对的“旧媒体”是什么？或者，对于艺术家所熟悉的媒材（绘画工具，雕塑材料），“媒体”的概念意味着怎样的差异？带来怎样的冲击？“新媒体”如何侵入美术馆空间（在当代美术馆空间的定义也已经变得十分模糊和不稳定），用传统美术馆所不太习惯的方式，和传统艺术家的作品肩并肩地放在一起？

我预测，在上述重庆的语境中，新媒体会显得格外的“新”，就像重庆人的问候语的字面意思和它的实际含义并不一样，它会诉诸于内容和形式间的差异性，在透露出强烈的反讽的同时，又消解了反讽本身。在如此短的时间内，中国的美术学院迎接了好几拨不同的观念的洗礼，面临着跨越式的发展，但是同西方不一样，由于脚下的土地、眼前的风景和头顶的天空的共同作用，它所吸收的能量不是充溢在外，而是往往向内推积，或者互相影响，显示出复杂的多样性和“自言自语”的特征。

受到这种局面的启发，“山·水·江·湖”想把最形而上学的和最日常的联系在一起，赋予诗意的东西以物质化的形体，为时代前列的文化做具体而微的注脚。它希望是一个“跨文类”但是又同时高度情境化（transtextural and contextual）的展览，既有“典型”的新媒体（运用计算、灯光、声音、机械装置的）艺术家，又包括传统上不被定义为新媒体艺术家的参与者，既有直观的针对重庆地方景观的再现性艺术，又包括理论化的装置与模型。它应该是一次严肃的对话，尽管谈论者往往使用着对方不能理解的语言。

策展人并不将美术馆的展览空间看做严格的“展厅”，而是一种粗放的“环境”，判断参展艺术家是否意图运用（新）“媒体”创作的关键，在于他（她）是否关心展场、城市、地域乃至国度的“语境”，是否注意到作品和“环境”的关系。参展作品希望在抽象和具体两个向度上勾勒出艺术的本地“风景”——“风景”是地方文化的直观的或间接的体现。它也将和我们选择的戏剧性的美术馆空间，乃至美术馆内的其它展览和展品发生这样那样的、微妙的互动。

策展人——唐克扬

唐妮诗画廊-上海，将在今年秋天呈现四位中国当代艺术家的群展。群展的主题是“微光”，灵感来源于加拿大传奇诗人兼歌手莱昂纳德·科恩的诗歌作品《讼歌》。在这首诗里，他写道“万物皆有裂痕，那是光照进来的地方。”缝隙里的光总是那么微弱，但是它给万物带来希望。如此一来，光便成为了一种精神意识。

在«微光»这个展览中，我们能欣赏到郝经芳和王令杰《彩虹》系列的最新作品。他们将各种濒临干涸的湖泊形状放入作品中。当有光照射的时候，玻璃颗粒对光的折射和反射会给站在不同位置的观众带去不同的彩虹。

«微光»同时还将呈现宋兮的一系列概念艺术作品。他的影像作品《欢乐颂》记录了一个行为表演：在黑暗中，他用电蝇拍拍打飞舞的小飞虫。当飞虫们触碰到电蝇拍的一瞬间，就产生如烟火般美丽而又绚烂的火花。这不禁让我们想起泰戈尔诗集《流萤集》的一句诗词：“你微小，但你并不渺小”。单只萤火虫仅能发出一丝微弱的光芒。然而当它们汇聚起来，便会为世界闪耀、发光。

这次群展的另一个关键词是“极少的” ，它恰如其分地体现在马立华的艺术创作中。艺术家将白色和沙子这两种基本语言相结合，通过穿插的笔迹，从而组合出深层次的空间，近而形成节奏和情绪的表达。马立华通过一种适当的抽象形象来表达真正的精神世界。

The International Cloud Atlas, published in 1896, was compiled thanks to the research and classification work conducted by researchers like Jean-Baptiste Lamarck, Luke Howard and Ralph Abercrombie. It was the first publication to set out a nomenclature for clouds, using Latin names, which allowed all European meteorologists to work together. This was how names like  Cumulus, Stratus and Nimbus were applied to the different types of clouds, bearing witness to the establishment and recognition of meteorology in the 19th century. The theme of clouds has been present in iconography since Antiquity and has been a major source of inspiration over the centuries, particularly in painting and photography.

Symbolic, poetic, threatening, divine… clouds have played a central role in artistic representation. In the 21st century, they continue to fascinate numerous artists, whilst environmental and political issues have also come into play. The Cloud Atlas takes an approach that is both playful and sensory, arousing the curiosity of a broad audience, as it takes us on a geographical, sociological and philosophical journey.

The project encompasses the work of over twenty international artists, with photographs, daguerreotypes, neon works, lightbulb installations, videos, fabric sculptures, drawings and more.

Anne Immelé’s cloud flags ask questions about borders, in the same way as Marco Godinho’s cloud stamps raise issues of migratory politics and the movement of people over the past decade. The cloud composed of 6,000 lightbulbs created by the collective of Caitlind Brown & Wayne Garett invites visitors to play with a tree of light. Pollution and smoke appear in the work of Christophe Urbain, whereas Hoang Duong Cam denounces the systems of Asia’s megacities. Berndnaut Smilde creates ephemeral clouds. And whilst Emilie Faïf sets hearts beating, they are pierced by Marion Baruch. Shilpa Gupta imprisons them or speaks to the sky. Julie Guillem and Jean Gabriel Lopez recreate their own cloud atlas using historic processes.

Artist list : Marion Baruch, Hicham Berrada, Olaf Brzeski, Caitlind Brown & Wayne Garrett, Rhona Byrne, Hoang Duong Cam, Julien Discrit, Arpaïs du Bois, Latifa Echakhch, Emilie Faïf, Marco Godinho, Julie Guillem, Shilpa Gupta, Anne Immelé, Hao Jinfang & Wang Lijie, Feng Li, Jean-Gabriel Lopez, Johan Parent, Berndnaut Smilde, Christophe Urbain, Bruno v. Roels, Sophie Zénon.

Après leur participation à la 14ème biennale de Lyon et au 62ème salon de Montrouge, Anne-Sarah Bénichou invite Jingfang Hao et Lingjie Wang pour une exposition personnelle à la galerie. Le duo d’artistes, qui vit à Mulhouse et travaille entre Paris et Shanghai, propose principalement des installations. Formés en tant qu’ingénieurs avant d’intégrer une école d’art en France et particulièrement sensibles aux changements indétectables dans la nature, qu’il s’agisse du soleil, des étoiles ou du passage du temps, Jingfang Hao et Lingjie Wang proposent une vision poétique de ces changements tout en les exposant à la vue de tous.

Pour l’exposition, plusieurs œuvres et installations qui constituent des temps forts dans leur travail ces dernières années seront produites, ré-activées ou présentées pour la première fois, avec pour angle principal la réflexion des artistes autour de la lumière. Intitulée « La lumière n’existe pas », elle fait référence à une citation de Francis Picabia : “Ce sont les mots qui existent, ce qui n’a pas de nom n’existe pas. Le mot lumière existe, la lumière n’existe pas.” Il s’agit ici d’interroger notre perception de la lumière, de la beauté et des illusions qu’elle peut créer.

无论是艺术、科学还是宗教，历史上一般将偶然视为敌人，因为在技艺、天赋和运算的面前，以及对于上帝和命运来说，偶然是不存在的。直到二十世纪，杜尚第一个以偶发性进行创作，海森堡发布了量子物理理论的启发性理论——不确定原理，上帝已死的时代，偶然的价值才越来越多地受到艺术家和科学家的重视。

此次展览是巴黎地区的第三届数码艺术双年展（Némo），作品整体以装置和影像为主，不一定以偶然为题，而是操纵算法巧合，让观者体验。比如被算法干扰的圣经文本，机器人根据环境数据进行绘画，让观众戴上VR进入另一个人的身体，如同濒死体验的灯光装置（如图）等等，请尽情去发现吧！

The international Biennial of digital arts of Île-de-France, heir of the Némo festival, will return to its nerve centre of the CENTQUATRE for its second edition (December 2017 – March 2018) on the occasion of its big thematic and transversal exhibition: Les Faits du hasard.

Like for the two previous exhibitions, the artistic direction is co-signed by Gilles Alvarez, director of the Biennial and the event coordination of Arcadi, and José-Manuel Gonçalvès, director of the CENTQUATRE. A token of continuity for a programme that will once again inscribe itself in the large artistic mechanism of chance, the accidental and serendipity that was opened two years ago by the exhibition Prosopopées : quand les objets prennent vie. “Before, chance in art was error”, declared Gilles Alvarez. “But ever since Marcel Duchamp and quantum mechanics, there is an intentional chance, a tool that is asking to be organised by an artistic gesture.”

In this new exploration of the relationship between Man and machine, where the technological process collides with an often capricious artistic equation, several installations will testify of the convoluted creative steps, going through a multiplicity of supports, such as Quentin Euverte’s Buzz Aldrin Syndrom, in which analog material, digital data, chemical processes and live cinema screenings participate in an unpredictable result, with the appearance of an exquisite corpse game. For José-Manuel Gonçalvès, the idea is to “build a contemporary art exhibition that draws from all forms of aesthetics, in digital technology, in the theatre of objects, and that plays with the variety of chance to show that the result of an artwork isn’t always replicable”. You can therefore expect surprises when you will project yourself into the body of another, using a headset (the body sway experience of The Machine to Be Another of the BeAnotherLab collective) or when you will observe the pixelated choreographies of augmented snails by Cyril Leclerc and Elizabeth Saint-Jalmes (Le Pixel lent).

The exhibition Les Faits du hasard will not however be settled as much in technological absurdity as Prosopopées. It will look for a more poetic and contemplative reading of our technological society through a digital filter. “Chance is the contrary of what we believe digital art is, as we think it brings us to total control, to perfection”, José-Manuel Gonçalvès sums up. “But maybe the greatest perfection is actually the things that are not completely perfect?”. Human, did you say human?

　　诞生于2012年的三亚艺术季，在过去六年的历练中，在展览规模和艺术水准上已具备相当的专业性，并在艺术界引起广泛讨论。

　　即将于2017年12月8日开幕的第六届三亚艺术季“共同风景”，汇集华宇青年奖入围艺术家群展、华宇青年奖五周年回顾展、华宇艺术论坛等活动，在延续以往公益性的同时，更加强调公共性与在地性，助力艺术走进人们的日常生活。

　　华宇青年奖于今年迎来了它的五周岁，本届艺术家提名名单也着眼于全球华人范围，汇集了来自北京、广州、台湾、香港、纽约、伦敦、柏林及洛杉矶等地的110位艺术家。华宇青年奖组委会邀请了活跃于当代艺术现场的54位艺术家、策展人及艺术写作者为提名嘉宾，鲍栋（独立策展人）、刘畑（独立策展人）、鲁明军（四川大学副教授、策展人、评论家）、彭禹（艺术家）及孙冬冬（独立策展人）为初评委员会成员。经过近三个月的资料收集与筹备，本届华宇青年奖初评委员会已于2017年9月23日完成初选评审工作，经过四轮评选与讨论，20位入围艺术家名单为：（排名按姓氏首字母序）

　　陈哲、邓国骞、冯晨、郝经芳&王令杰、黄炳、简策、蒋竹韵、李宝玖、李明、廖斐、刘月、史镇豪、唐潮、王博、王拓、徐家维、杨露子、郑源、致颖、朱昶全。

　　以上20位艺术家的创作形式包括且不限于绘画、装置、影像以及行为表演等，他们将携作品参与由孙冬冬任策展人的华宇青年奖入围艺术家群展。届时由评委会主席侯瀚如（古根海姆美术馆博物馆顾问策展人、评论家）、林天苗（艺术家）、凯伦·史密斯（OCAT西安馆执行馆长、评论家）、皮力（香港M+博物馆高级策展人）及张培力（艺术家）组成的终评委员会于现场召开闭门终评会议，最终甄选出两位获奖艺术家，在12月9日华宇青年奖颁奖现场授予“评委会大奖”和“评委会特别奖”。除现金奖励外，华宇青年奖将给与获奖艺术家在专业领域持续的支持，包括艺术家作品和项目的实施及展览，以及相关的策划、宣传和文献出版等。

　　关于华宇青年奖

　　华宇青年奖发起于2013年，是由华宇集团主办的公益性艺术奖项，专为在复杂的当代文化语境下不断实验和探索的青年艺术家而设，旨在持续性地呈现中国当代艺术的前沿面貌，展示新生代艺术家多维度的创作样态。华宇青年奖于2015年资助获奖艺术家胡为一实现了他在尤伦斯当代艺术中心的第一场美术馆个展“两点之间，没有直线”，同时也支持了艺术家吴超及其团队的“植物人视听唤醒项目”。